Le jazz au service de Ferré

Dans la Sainte Trinité de la chanson française – Brel, Brassens et Ferré – le principal candidat aux relectures jazzantes était sans contredit Brassens, comme en témoignait son rôle de guitariste lors des légendaires séances de 1979 qui rassemblaient le gratin du swing autour du batteur Moustache.

Malgré quelques intrigantes reprises (je pense à Ne me quitte pas, par Nina Simone et Voir un ami pleurer, du saxophoniste Yannick Rieu), Brel ne s’est jamais jazzifié sans peine. Quant à Ferré, la présence d’un saxo évanescent sur certains de ses plus beaux enregistrements des années 50 et 60 laissait supposer qu’il y avait là un potentiel que les jazzmen auraient tôt ou tard envie d’explorer.

Il aura fallu une coterie d’éminents solistes italiens (son pays d’adoption dès le début des années 70) pour consommer la relation entre Ferré et le jazz. Mais ceux qui s’attendaient à retrouver leur Ferré agrémenté d’une simple palette bleu nuit risquent d’être surpris, et peut-être même déconcertés, par F à Léo (Justin Time).

J’imagine qu’il eût été trop facile pour le trompettiste Paolo Fresu, le pianiste Roberto Cipelli et leurs acolytes de simplement nous «saouler le dedans de pathétique», pour emprunter les mots de Léveillée, et le caractère obstinément polymorphe de l’album se défend sur le plan conceptuel, en ce qu’il reflète la complexité de l’homme auquel il rend hommage.

Mais avec les interludes de l’Art poétique de Verlaine (qui servent à «expliquer» les positions de Ferré, mais n’agrémentent en rien notre écoute) et les interprétations parfois étranges de Gianmaria Testa (notamment sur Les poètes et Les forains), dont le phrasé pourrait laisser croire qu’il ne comprend pas les mots – ou la charge émotionnelle – de ces chansons, F à Léo nous frustre aussi souvent qu’il nous séduit.

Si l’album impose sa logique obstinée au fil des écoutes (et je ne doute pas que Léo lui-même en aurait approuvé), il est difficile de ne pas rêver aux innombrables frissons que cette rencontre aurait pu donner si ses concepteurs avaient pris le parti de nous prendre un peu moins souvent par la tête – et un peu plus souvent par les tripes.

Une bande son pour Montréal

Montréal Variations, troisième volet de la série Montréal Jazz Club Sessions, peut être perçu comme la tentative de percée de l’étiquette classique Analekta dans le domaine de la note bleue. Pas difficile de comprendre cette stratégie: puisque le classique et le jazz représentent, à notre époque, deux musiques «adultes», la griffe Analekta, synonyme de classiques made in Québec, possède déjà un public potentiel pour ces incursions jazzantes.

Montréal Variations propose une vision 100% pianistique – et forcément nocturne – de la ville, imprégnée du genre de romantisme que l’on associe plus volontiers à Manhattan. Mais à la source, l’inspiration de ce projet est ancrée dans une réalité historique indubitablement montréalaise: en effet, le leitmotiv de quatre notes par lequel débutent ces variations, ce que les adeptes du patinage artistique appellent une figure imposée, n’est autre que l’introduction du thème musical de Terre des Hommes, ce grand rassemblement œcuménique dont on célébrait en 2007 le 40e anniversaire.

À partir de là, chacun des neuf pianistes y va de sa propre vision métropolitaine, tantôt onirique (le Jardin Botanique de Guy St-Onge), tantôt romantique (chez Lorraine Desmarais, qui célèbre le Mont Royal), tantôt imbue de ferveur religieuse (le St-Henri d’Oliver Jones). Quant à La Main de Guy Dubuc, cette vignette angulaire laisse imaginer que Thelonious Monk a passé ses années formatrices à arpenter les trottoirs de Saint-Laurent.

Bien que l’indicatif musical précité assure une certaine continuité à cette succession de vignettes, chacun des pianistes contribue à l’effet d’ensemble en ne dérapant jamais au-delà des paramètres nostalgiques du projet, comme s’ils signaient conjointement la bande-son d’un film sur une métropole imbue de sa propre mythologie.

Dommage qu’à quelques exceptions près (le fascinant Kensington Suite de Richard Underhill), la Ville-Reine semble incapable d’inspirer le genre de vénération romantique auquel Montréal Variations donne lieu.

Konitz-Théberge, Chapitre 2

Il y a cinq ans, la sortie de Music of Konitz marquait le plus beau coup de la jeune maison de disques Effendi. Cette collaboration entre l’infatigable altiste américain Lee Konitz et le saxophoniste et arrangeur québécois François Théberge nous renvoyait à la délicate architecture de la formation qui nous avait donné Birth Of The Cool en 1949, où l’on retrouvait un très jeune Konitz aux côtés de Gerry Mulligan et Miles Davis.

Ayant trouvé dans cette formation de neuf instrumentistes (un «little big band», si vous voulez) un véhicule idéal, Konitz y reviendrait périodiquement tout au long de sa carrière.

Si possible, Soliloque (Effendi) est encore plus inspiré que son prédécesseur. En équilibre parfait entre la densité et le vide, entre l’écriture et l’improvisation, ce deuxième chapitre de leur collaboration déploie savamment sa palette instrumentale – saxo ténor, soprano et alto, trompette, trombone, tuba, flûte, contrebasse, batterie et voix – de façon à créer une musique dont les formes et les couleurs changent constamment. Arrangeur de génie, Théberge a longuement travaillé avec Konitz sur ces huit tableaux qui évoquent le blues, la musique de chambre et les tone parallels de Duke Ellington, et dont l’écriture encadre les solistes sans leur imposer trop de contraintes.

Il en résulte le genre de voyage musical qui, s’il nous séduit d’entrée de jeu, ne révèle toutes ses richesses qu’au terme d’écoutes répétées. S’il y a de la justice sur la planète Jazz, Soliloque devrait s’y imposer comme un classique inusable, au même titre que l’album qui l’a inspiré, il y a de ça près de 60 ans.